So schreiben Sie eine Szene: 3 Theatertechniken, mit denen Ihre Geschichte von der Seite springt

Es ist Zeit, diese Szene zu schreiben. Weißt du, die, die du gemieden hast. Sie haben Ihren Charakter und das Ziel der Szene skizziert, aber wie bringen Sie Ihren Charakter von Punkt A nach Punkt B? Welche genauen Worte sollte er verwenden? Welche konkreten Maßnahmen sollte sie ergreifen, um ihr Szenenziel zu erreichen?

Stift

Wenn Sie jemals mit diesen Fragen im Hinterkopf vor dieser leeren Seite standen, werden Sie sich freuen, drei Techniken kennenzulernen, die dem Drehbuch des Schauspielers entlehnt sind und die Ihr Schreiben verbessern und Ihre Geschichte zum Strahlen bringen werden. Werfen wir einen Blick darauf, wie man eine Szene mit der Denkweise eines Schauspielers schreibt.

Die Frustration einer stagnierenden Szene

Wie oft kannst du die Löschtaste drücken, bevor dir der Kopf explodiert?

Das haben wir alle schon durchgemacht. Du tippst ein paar Sätze und liest sie dir vor, aber irgendetwas stimmt nicht. Fred würde sich nicht so verhalten. Sally würde das nicht sagen. Und in der Szene tut sich nichts Produktives.

Sie gehen zurück und versuchen es erneut, aber es klingt alles so uninspiriert. So flach.

Wenn Sie es nicht fühlen, werden es Ihre Leser auch nicht fühlen. Eine der vielen Ablenkungen des Lebens wird sie von Ihrer Geschichte abbringen, und Sie haben ihnen keinen Grund gegeben, zurückzukehren. Emotionales Engagement, Resonanz auf persönlicher Ebene ist es, was uns zu einer Geschichte hinzieht. Und das kommt davon, dass man sich auf echte, glaubwürdige Weise mit einer Figur verbindet.

Also, wie schöpfen Sie Inspiration?

1. Bereiten Sie die Bühne vor

In Stephen Kings großartigen Memoiren On Writing spricht er darüber, wie es die Aufgabe des Autors ist, sich die Szene so klar wie möglich vorzustellen und aufzuschreiben, was passiert ist. Er sagt: „Die Beschreibung beginnt in der Vorstellung des Autors, sollte aber in der des Lesers enden. . . . Visualisieren Sie, was Ihr Leser erleben soll, und übersetzen Sie dann, was Sie in Ihrem Kopf sehen, in Worte auf der Seite.“

Als Schriftsteller müssen wir Details verwenden, die die Sinne anregen. Zum Nutzen des Lesers und zu unserem eigenen. Details, die frisch und spezifisch sind, durch die Meinung des Charakters gefiltert werden und Emotionen wecken.

Verfangen Sie sich nicht im Unkraut. Wir müssen nicht wissen, wie viele Knöpfe das Hemd einer Figur hat und wie die Fäden, mit denen sie verbunden sind, gekreuzt sind. Es sei denn, Ihr Charakter ist eine anspruchsvolle Näherin.

Nicht sicher, wie man eine Szene schreibt? Stellen Sie dem Leser ausgewählte, lebendige Bilder zur Verfügung, die aus den Arten von Details stammen, die Ihr bestimmter Charakter bemerken würde.

Vermeiden Sie gefälschte Details

Ich habe viel kreative Weisheit und Technik von Dean Wesley Smith gelernt, der Online-Workshops über das Handwerk und Geschäft des Schreibens unterrichtet. Er warnt davor, gefälschte Details zu verwenden, also Generika, die den Leser dazu bringen, sich ein Bild zu machen, das später zerstört werden kann und sie direkt aus der Geschichte herausreißt.

Wenn Sie beispielsweise das Wort „Baum“ verwenden, stellt sich Ihr Leser möglicherweise Ahornbäume vor. Wenn Sie später Ponderosa Pine spezifizieren, brechen Sie ihr mentales Bild und distanzieren sie von Ihrer Geschichte.

Malen Sie das Bild mit bestimmten Details und bleiben Sie konsistent.

2. Steigen Sie in den Charakter ein

Sobald Sie die Bühne mit lebendigen und spezifischen Details geschaffen haben, können Sie sich und Ihren Leser in die Figur hineinversetzen.

In Voice: The Secret Power of Great Writing schreibt James Scott Bell: „Sie, der Autor, müssen sich so stark mit der Figur identifizieren, dass Sie fühlen, was die Figur fühlt, denken, was die Figur denkt. Das ist es, was großartige Schauspieler tun.“

Er erzählt, wie er mit der großartigen Uta Hagen und ihrer Schülerin Tracy Roberts trainierte. Sie brachten ihm bei, den Charakter, den er spielen wird, zu recherchieren und dann Wege zu finden, seine eigenen emotionalen und sinnlichen Erinnerungen in die Rolle einzubringen. Autoren können eine ähnliche Methode anwenden, um eine Figur mit echten und realistischen Eigenschaften und Verhaltensweisen zu entwickeln.

Sei das, was du scheinen möchtest

Fügen Sie der oben beschriebenen Technik die von Theaterregisseur Michael Tschechow hinzu: die psychologische Geste.

Die Theorie dahinter ist, dass unsere Physiologie unsere Psychologie beeinflusst. Wenn Sie sich müde fühlen möchten, beugen Sie sich vor, ziehen Sie Ihre Schritte nach, lassen Sie den Kopf hängen. Wenn Sie sich sexy fühlen wollen, werfen Sie Ihre Schultern zurück, schmollen Sie Ihre Lippen, setzen Sie Ihre Schlafzimmeraugen auf.

Wenn ein Schauspieler die spezifische physische Position einer Figur einnimmt, kann er sich sofort wie diese Figur fühlen.

Erden Sie sich auf der Bühne, die Sie geschaffen haben, und kombinieren Sie diese Techniken, um die Figur zu werden, zu fühlen, was sie fühlt, zu sagen, was sie sagen würde, sich so zu verhalten, wie sie es tun würde. Dann schreibe es.

Natürlich kann die Verwendung dieser Technik eine Herausforderung darstellen, wenn Sie in einem Café oder in der Bibliothek schreiben. Trotzdem kann eine interne, mentale Anwendung dieser Techniken erstaunliche Ergebnisse erzielen.

3. Meistere den Beat

Beats sind ein Grundnahrungsmittel in der Werkzeugkiste des Schauspielers und ihre Beherrschung ist das, was einen großartigen Schauspieler über einen adäquaten stellt.

Ein Beat ist ein Moment von großer Bedeutung, ein identifizierbarer Moment der Veränderung. Shawn Coyne diskutiert sie ausführlich in The Story Grid und bezieht sie auf den entscheidenden Moment, in dem sich die Szene dreht. Wenn entweder eine Handlung oder eine Offenbarung die Dynamik verändert.

Er beschreibt es in seinem Podcast als den Moment, in dem der Typ einen Antrag macht und das Publikum sieht, wie die Frau vor Lachen erstickt. Nichts wird gesagt, aber wir sehen es und es bedeutet alles.

Wenn Ihre Szene keinen Moment enthält, in dem sich die Dynamik auf signifikante Weise ändert, vom Positiven zum Negativen oder umgekehrt, was macht es dann in Ihrem Manuskript? Es ist an der Zeit, den Zweck der Szene zu hinterfragen und darüber nachzudenken, sie herauszuschneiden oder in eine andere, robustere Szene zu integrieren.

Nutzen Sie die Kraft des Absatzes

Beats werden auf der Seite oft dadurch ausgedrückt, dass sie in einem eigenen Absatz abgesetzt werden. Unterschätzen Sie nicht die Macht des Absatzschlüssels. Schlagen Sie es oft, halten Sie Ihre Absätze kurz und umgeben Sie diese wichtigen Momente mit Leerraum.

Es ist das Äquivalent des Autors zum Da-da-da-dum des Filmregisseurs.

Nutzen Sie diese schauspielerischen Fähigkeiten und setzen Sie sie in Ihren Szenen ein.

Ihr Aktionsplan zum Schreiben von Szenen

Wenn Sie sich jetzt dieser leeren Seite gegenübersehen, haben Sie einen Aktionsplan, wie Sie eine Szene schreiben:

• Richten Sie die Bühne mit spezifischen, sensorischen Details ein, die durch die Augen und Emotionen Ihrer Figur gefiltert werden.
• Steigen Sie in die Rolle ein, indem Sie Ihre eigenen Erfahrungen mit den Bedürfnissen Ihrer Figur verbinden und die Körperhaltungen und Gesten treffen, die Sie in seine Lage versetzen.
• Richten Sie einen dramatischen Scheinwerfer auf den Wendepunkt und nutzen Sie den Beat, um die Szene zu beleben.

Wenden Sie diese Techniken an und Ihre Geschichte wird aus der Seite springen.

Welche Techniken haben Sie verwendet, um erfolgreich in die Rolle zu kommen? Hast du weitere Tipps zum Schreiben einer Szene? Lass es uns in den Kommentaren wissen.