3 conseils d'écriture que vous pouvez voler aux animateurs

Il y a une dizaine d'années, j'ai eu la chance de lire un livre de scénarisation intitulé Comment écrire pour l'animation par Jeffrey Scott. Contrairement à la plupart des livres de scénarisation, Scott mentionne à peine la théorie de l'histoire ; au lieu de cela, il se concentre sur l'enseignement d'un processus d'écriture très pratique. J'ai appliqué ses méthodes dans mon propre travail et j'ai été étonné de voir à quel point elles étaient utiles. En fait, le livre de Scott s'est avéré être l'un des trois livres professionnels les plus utiles que j'aie lus.

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Photo de Scott Thomas (Creative Commons)

Voici cependant la torsion : je ne l'utilisais pas du tout pour écrire ! J'étais animateur - et il s'avère qu'avec quelques ajustements mineurs, les conseils de Scott sur le processus créatif fonctionnent également très bien dans l'animation.

Cela vous surprend-il ? Pour moi, ce fut une révélation. Un livre sur l'écriture m'a aidé à devenir un meilleur animateur ; qu'est-ce que cela voulait dire? Peut-être que les esprits créatifs de différentes formes d'art ont plus en commun que nous avons tendance à le penser. Cela signifie peut-être que nous devrions tous nous habituer à regarder au-delà des limites de notre propre média.

Ce que les écrivains peuvent apprendre des animateurs

Dans cet article, je vais essayer de revenir en arrière et de proposer trois conseils pratiques d'écriture tirés tout droit du monde de l'animation. J'espère également partager avec vous le sentiment d'émerveillement qui découle de la connexion soudaine de deux choses apparemment sans rapport.

1. Jouez

Les animateurs ne se contentent pas de s'asseoir sur leurs petites chaises en déplaçant des dessins ou des marionnettes numériques. Pour vraiment comprendre leurs personnages, les animateurs jouent chaque scène plusieurs fois. Ils font des vidéos d'eux-mêmes et les étudient attentivement, à la recherche de petits gestes inconscients qui révèlent l'humeur et la personnalité d'une manière intéressante. Ils peuvent ensuite intégrer certains de ces détails fins dans leur travail, en ajoutant de la crédibilité et de la texture.

Votre conseil d'écriture : ne pas restez simplement assis là à essayer d'évoquer des actions et des dialogues intéressants à partir de rien. Levez-vous et jouez vos scènes !

Vous n'avez pas besoin d'être un grand acteur; essayez simplement de devenir le personnage pendant un petit moment, et laissez les réactions physiques et le dialogue se produire naturellement.

Faites une vidéo de vous-même en train de le faire et dessinez sur ce que vous voyez et entendez pour créer une voix unique et une texture fine pour votre personnage.

2. Réfléchissez aux moments clés avec des extraits rapides

Avant de commencer à animer, les animateurs dessinent généralement plusieurs croquis miniatures. Ce sont de petites suggestions très approximatives faites en quelques secondes. Cela leur permet d'essayer rapidement de nombreuses idées différentes, puis de sélectionner celles qui ont le plus d'attrait ou qui font la structure la plus intéressante. Voici un exemple :

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Quelques-uns de mes croquis miniatures pour Astérix et les Vikings

Votre conseil d'écriture : à la place d'écrire votre plan chronologiquement, essayez d'identifier les moments clés de la scène et écrivez-les sous forme d'extraits courts et rapides d'action et de dialogue. Essayez différentes façons de faire la même chose. Ne faites pas attention à l'ordre des choses, écrivez simplement vos idées au fur et à mesure qu'elles viennent. Souvent, un moment clé en suggérerait un autre - suivez le fil et essayez-le !

Laissez-vous surprendre. Rappelez-vous que la clé est d'être RAPIDE à ce sujet. Ne précisez pas, n'élaborez pas et ne vous attardez pas. Essayez d'utiliser une grammaire de base ou abrégée (par exemple, " le garçon ouvre la porte—s'attarde—soupir : pas encore !")

Une fois que vous sentez que vous avez une bonne vue d'ensemble des différents angles et possibilités que la scène a à offrir, sélectionnez une succession de moments clés qui ont le plus d'attrait et la structure la plus intéressante, et utilisez-la comme point de départ solide pour un plan.

3. Laissez votre écriture suivre votre plan

En animation, "Straight Ahead" est le processus du cerveau droit d'animer chronologiquement, une image après l'autre, sans plan - juste un pur flux créatif. "Pose to Pose" est le processus du cerveau gauche consistant à dessiner d'abord les poses les plus importantes, puis à les relier à d'autres dessins.

Au début des années 1930, les animateurs de Disney ont proposé la méthode «d'animation à travers des poses». L'idée était de planifier d'abord les poses, puis de travailler "Straight Ahead", en gravitant vers les poses prévues mais sans nécessairement les frapper exactement. Cette méthode est encore utilisée par les animateurs pour combiner la logique du cerveau gauche avec l'expressivité et le flux du cerveau droit.

Votre conseil d'écriture : une fois vous avez votre plan prêt, Commencez par le début et écrivez dans le style « droit devant », en laissant votre cerveau droit montrer la voie tout en gardant à l'esprit à peu près où vous vous dirigez. Essayez de ne pas trop le contrôler, il suffit de le "pousser" vers le prochain point du contour.

Ne vous inquiétez pas si vous n'écrivez pas exactement ce que le plan indique ; respectez le flux naturel de votre écriture et laissez les heureux accidents se produire ! Si le contour sous-jacent est bon, il tiendra.

Avez-vous des habitudes de processus d'écriture importées d'une autre discipline ?