10 conseils pour écrire de meilleures scènes

En tant qu'éditeur et coach de livres, les écrivains me demandent tout le temps -- Avez-vous des conseils pour rédiger un meilleur premier brouillon ? Y a-t-il quelque chose que je puisse faire pour rendre toute cette histoire d'« écriture d'un livre » plus facile ?

Et ma réponse est OUI ! Concentrez vos efforts et votre attention sur l'apprentissage de l'écriture d'une scène forte et bien structurée. Cela fera toute la différence dans votre capacité à écrire une histoire qui fonctionne, ainsi que de meilleures premières ébauches.

Donc, dans cet article, je partage mes dix meilleurs conseils pour écrire de meilleures scènes. Si vous voulez savoir comment je définis une scène ou comment structurer une scène, consultez cet article de blog. J'espère qu'une fois que vous aurez maîtrisé l'art de l'écriture de scènes, vous trouverez l'ensemble du processus d'écriture de livres beaucoup plus facile et plus direct. Alors, sans plus tarder, plongeons dedans !

Conseil n° 1 : tenez-vous en à un seul personnage de point de vue pour chaque scène.

Le tout premier conseil que j'ai pour vous est de vous en tenir à un personnage de point de vue par scène. Et quand je dis cela, je ne dis pas qu'il ne faut pas utiliser de personnages à points de vue multiples dans votre histoire. Je dis juste de s'en tenir à la perspective d'un personnage par scène.

Et il y a plusieurs raisons pour lesquelles je vous recommande de le faire.

La raison numéro un est que cela rend l'expérience de lecture plus immersive pour les lecteurs. En ancrant les lecteurs dans un personnage de point de vue par scène, vous donnez aux lecteurs le temps et l'espace pour être vraiment dans la tête de ce personnage, en vivant les événements de l'histoire comme lui ou elle le fait. Cela vous aidera également à éviter les sauts de tête qui peuvent être une expérience choquante pour les lecteurs.

La deuxième raison est qu'il est simplement plus facile d'écrire une scène bien structurée lorsque vous vous en tenez à la perspective d'un personnage. Si vous êtes dans la perspective d'un personnage, en suivant l'objectif de ce personnage tout au long de la scène, il est plus facile d'écrire quelque chose de cohérent et il vous sera plus difficile de partir sur des tangentes qui n'ont pas vraiment d'importance.

Donc, c'est le conseil numéro un. Tenez-vous en à un personnage de point de vue par scène.

Conseil n° 2 : Établissez où et quand la scène se produit.

Le deuxième conseil que j'ai pour vous est de vous assurer que le contexte de la scène est clair. Et par là, je veux dire que vous devez ancrer le lecteur dans le temps et le lieu au tout début de chaque scène - en particulier par rapport à la scène qui la précède.

Alors, où se passe cette scène ? Le lieu a-t-il changé ? Rendre cela évident pour les lecteurs. Combien de temps s'est écoulé depuis la dernière scène ? Une heure? Trois jours? Dix mois? Faites savoir aux lecteurs exactement depuis combien de temps nous n'avons pas vu ce personnage.

Et la raison pour laquelle c'est si important est que si vous lisez un livre et que vous n'avez soudainement aucune idée de l'endroit ou du moment où l'histoire se déroule, vous allez très probablement arrêter de lire, retourner quelques pages en arrière et essayer de comprendre ce que le diable vient de se passer.

S'il n'y a pas de réponse évidente, vous allez vous sentir confus et vous devrez probablement travailler assez dur pour revenir dans la zone de l'histoire. Donc, soit vous allez sortir votre téléphone et essayer de voir si quelqu'un sur Internet a vécu la même expérience que vous, soit vous allez arrêter de lire parce que maintenant vous ne faites plus vraiment confiance à ce qui se passe ou tout à coup , la lecture ressemble à trop de travail acharné.

Donc, pour éviter de faire cela à vos lecteurs, assurez-vous d'orienter le lecteur vers le temps et le lieu au début de chaque nouvelle scène. C'est le conseil numéro deux.

Conseil n°3 : Donnez à votre personnage un objectif spécifique dans chaque scène.

Le troisième conseil que j'ai pour vous est de vous assurer que votre personnage a un objectif spécifique dans chaque scène. Alors, qu'est-ce que votre personnage veut accomplir ou accomplir ou apprendre dans cette scène particulière ? Qu'est-ce qu'ils essaient de faire précisément ?

Leur objectif pourrait littéralement être n'importe quoi - cela pourrait être quelque chose de simple comme votre personnage voulant descendre à la rivière pour remplir un seau d'eau afin qu'il puisse préparer le petit déjeuner pour sa famille. Ou cela peut être aussi complexe que votre personnage voulant affronter et vaincre le maléfique Seigneur des Ténèbres afin que l'humanité puisse survivre.

Quoi qu'il en soit, votre personnage doit essayer d'accomplir quelque chose et son objectif doit être clair dans les premiers paragraphes. C'est ainsi que les lecteurs s'identifient à votre personnage et s'y investissent tout au long de l'histoire.

C'est également ainsi que vous aiderez ou empêcherez votre personnage d'atteindre ou d'accomplir son objectif global, une scène à la fois.

Maintenant, je dois mentionner que cela semble être quelque chose qui déroute beaucoup d'écrivains. Certains auteurs ont l'impression que le mot "objectif" est trop grand ou élevé. Donc, si vous le souhaitez, n'hésitez pas à vous demander ce que ce personnage essaie de faire dans cette scène ?

Vous ne rendez probablement pas justice à votre histoire si votre personnage est assis sur le canapé sans but ni ambition, attendant que les événements de l'intrigue les mettent en action.

Et la raison pour laquelle cela ne fonctionne pas est que a) votre personnage ne semble pas réel -- dans la vraie vie, nous avons tous des objectifs petits et grands, et b) cela ne laisse aucune place au conflit. Si votre personnage n'a pas d'objectif, alors rien ne peut l'en empêcher. Et s'il n'y a pas de conflit, alors vous n'avez pas d'histoire.

Donc, c'est le conseil numéro trois. Donnez à votre personnage un objectif spécifique dans chaque scène.

Conseil n° 4 : Assurez-vous que chaque scène inclut un mini-arc de changement.

Le prochain conseil que j'ai pour vous est de vous assurer que chacune de vos scènes comprend un mini-arc de changement.

Ainsi, une fois que vous savez ce que veut votre personnage de point de vue dans la scène sur laquelle vous travaillez, vous pouvez utiliser les "5 commandements" dont j'ai parlé dans l'épisode 40 pour vous aider à créer un mini-arc de changement à travers le conflit auquel votre personnage est confronté.

Si vous ne savez pas de quoi je parle quand je dis « 5 commandements », allez consulter ce billet de blog ou écoutez l'épisode n° 40 du podcast Fiction Writing Made Easy.

Fondamentalement, cela revient à dire que votre personnage doit avoir un objectif, il fera face à un conflit alors qu'il poursuit cet objectif, puis il devra prendre une décision sur la façon d'aller de l'avant, créant ainsi un mini-arc de changement. Tous ces mini-arcs de changement au sein de vos scènes sont ce qui s'additionne pour créer votre arc de changement global à travers toute l'histoire.

Et c'est aussi l'une de mes questions préférées pour l'édition de votre brouillon. Dans chaque scène, vous voulez voir ce qui a changé pour votre personnage. S'il n'y a pas de changement, ou si le changement est plutôt dénué de sens dans le contexte de votre histoire globale, alors vous saurez automatiquement que cette scène particulière a besoin d'être retravaillée.

Donc, c'est le conseil numéro quatre, assurez-vous que chaque scène contient un mini-arc de changement.

Conseil n° 5 : Assurez-vous que votre personnage de point de vue a de l'agence.

Le prochain conseil que j'ai pour vous est de vous assurer que votre personnage de point de vue a de l'agence. Et cela se rapporte à ce que j'ai dit dans le conseil numéro trois sur le fait de donner à votre personnage un objectif dans chaque scène. Une fois qu'ils ont un objectif, ils doivent également avoir l'agence pour poursuivre cet objectif.

Ils doivent être capables de prendre des décisions et d'agir pour faire avancer l'histoire. Et c'est simplement parce que les lecteurs ne s'accrocheront pas à un personnage passif qui se contente d'attendre et de laisser les choses leur arriver.

Et quelque chose qu'on me demande souvent quand je parle de l'agence de personnage est une version de, et si mon personnage est retenu captif ? Et ma réponse est toujours que votre personnage a besoin d'agence. Si vous étiez retenu captif, n'essaieriez-vous pas de faire quelque chose ? Que ce soit pour parler à un garde, s'échapper par la fenêtre, prendre un verre d'eau, se lier d'amitié avec un autre personnage qui est également retenu captif, ou quelque chose comme ça ?

Quelle que soit la situation dans laquelle se trouve votre personnage, il doit prendre l'initiative de faire quelque chose au sujet de sa situation, même si ce quelque chose a des conséquences négatives ou imprévues. En fait, le plus souvent, ce sont les conséquences négatives ou imprévues qui rendent une histoire intéressante, et qui forcent votre personnage à grandir et à changer.

Donc, de toute façon, c'est le conseil numéro cinq. Assurez-vous que votre personnage de point de vue a de l'agence.

Astuce #6 : Montrez ce que votre personnage pense et ressent.

Le prochain conseil que j'ai pour vous est de montrer aux lecteurs ce que votre personnage pense ou ressent tout au long de la scène. Et c'est super, super important. Vous voulez toujours vous assurer de montrer aux lecteurs comment les événements de la scène affectent votre personnage.

Et pour le faire correctement, vous devez comprendre qui est votre personnage, quelle est sa vision du monde et ce qu'il apprécie. Vous devez également avoir une idée de ce que votre personnage attend, espère ou craint dans chaque scène. Cela vous aidera à comprendre comment ils comprennent ou comprennent mal ce qui se passe autour d'eux.

Ainsi, dans chaque scène, en plus de ce qui se passe, assurez-vous de laisser les lecteurs dans la tête de votre personnage. A quoi pensent-ils ? Que ressentent-ils ? Comment traitent-ils les événements de la scène ? Quel sens tirent-ils de ces événements ? Comment ce qui se passe à l'extérieur, plus ce qu'ils ressentent à propos de ce qui se passe, les poussera vers la scène suivante ?

Et c'est le conseil numéro six. Montrez aux lecteurs ce que votre personnage pense et ressent tout au long de la scène. Les lecteurs veulent ressentir ce que ressentent vos personnages, alors laissez-les entrer dans leur tête !

Astuce #7 : Essayez d'avancer au moins une intrigue secondaire dans chaque scène.

Le prochain conseil que j'ai pour vous est d'essayer de faire avancer au moins une de vos intrigues secondaires par scène.

Dans une grande histoire, des intrigues secondaires se développent juste à côté de l'intrigue principale. Ainsi, une fois que vous avez choisi votre personnage de point de vue, que vous lui avez donné un objectif et intégré la structure de scène dont nous avons parlé, réfléchissez à la manière dont vous pouvez ajouter quelque chose pour faire avancer l'une de vos intrigues secondaires.

Ainsi, par exemple, si vous pensez au premier livre de Harry Potter, Harry Potter à l'école des sorciers , il y a une scène où Madame Bibine enseigne aux Gryffondors et aux Serpentards comment voler sur un balai.

Dans cette scène, trois fils d'histoire avancent. Tout d'abord, il s'avère que Harry est un naturel sur le balai et, à cause de cela, il devient le nouveau chercheur de Gryffondor. Deuxièmement, Harry défend Neville, renforçant leur amitié. Et troisièmement, la rivalité et la haine de Harry avec Malfoy s'aggravent encore.

J'aime aussi cet exemple, car, en théorie, JK Rowling aurait pu choisir n'importe quoi pour que Draco et Harry se disputent, mais elle a choisi de faire avancer l'intrigue secondaire de Neville et de tirer ce fil de l'histoire à travers cette scène pour a) montrer le personnage de Harry , b) donner à Draco et Harry un point de discorde, et c) aider l'histoire à se sentir cohérente et serrée.

Donc, de toute façon, c'est le conseil numéro sept, essayez de faire avancer au moins une de vos intrigues secondaires dans chacune de vos scènes.

Conseil n° 8 : utilisez la « présentation de l'histoire » pour déclencher la trame de fond et l'exposition.

Le prochain conseil que j'ai pour vous est d'utiliser l'histoire présente, ou tout ce qui se passe dans le moment présent, pour déclencher la trame de fond et l'exposition.

Et ce que je veux dire par là, c'est que les descriptions de personnes, de lieux, d'histoire, etc. doivent être directement liées à ce qui se passe au moment de la scène. Supposons donc que vous souhaitiez transmettre des informations sur la mère de votre protagoniste dans une scène. Au lieu de simplement insérer toutes ces informations et cette trame de fond dans la scène, créez quelque chose dans l'histoire présente qui peut déclencher ce morceau de trame de fond.

Par exemple, disons que l'autre significatif de votre personnage vient et voit des photos de la mère de votre protagoniste. Cela pourrait déclencher une conversation sur sa mère. Votre personnage pourrait également se promener en ville et voir l'ancien magasin de fleurs de sa mère. Cela pourrait également déclencher une histoire sur sa mère.

Lorsque les informations ou l'exposition de l'arrière-plan ou de la construction du monde sont pertinentes pour ce qui se passe dans la scène, il s'agit de contexte, pas d'un vidage d'informations. La clé est de n'inclure que les informations dont les lecteurs ont besoin pour comprendre ce qui se passe dans la scène, sinon vous risquez de perdre leur attention.

Et c'est le conseil numéro huit, utilisez la «présentation de l'histoire» pour déclencher la trame de fond et l'exposition.

Conseil n° 9 : n'incluez que des dialogues pertinents pour la scène.

Le prochain conseil que j'ai pour vous est de n'inclure que des dialogues pertinents par rapport à ce qui se passe au moment présent dans la scène.

Et ce que je veux dire par là, c'est que le dialogue ne devrait être utilisé que pour établir un contexte ou des objectifs de caractère, provoquer ou aggraver un conflit, révéler des décisions ou des changements de caractère, et des choses comme ça.

Si votre dialogue ne fait pas l'une de ces choses, vous n'en avez probablement pas besoin. C'est vraiment aussi simple que cela.

Et c'est le conseil numéro neuf. N'incluez que des dialogues pertinents pour la scène que vous écrivez.

10. Assurez-vous que la scène contribue à l'histoire globale.

Le dernier conseil que j'ai pour vous est de vous assurer que votre scène contribue à votre histoire globale. Il y a deux façons que j'aime penser à cela aussi.

Tout d'abord, pensez en termes de votre intrigue externe. Chaque scène doit faire avancer l'histoire jusqu'au moment culminant principal où votre protagoniste réussit ou échoue à atteindre son objectif principal. Et oui, cela s'applique également aux sous-parcelles. Les intrigues secondaires doivent être tissées dans l'intrigue principale de chaque scène, afin qu'elles ne détournent pas l'attention de l'arc global de votre histoire.

Deuxièmement, pensez en termes d'arc interne de votre personnage. Chaque scène doit forcer votre personnage à faire face à des conflits et à prendre des décisions qui l'aideront à grandir et à changer. Chaque scène doit créer des conséquences qui doivent être traitées ou développées dans la scène suivante jusqu'à ce que votre personnage apprenne la leçon de l'histoire et change. C'est ainsi que vous exprimerez le thème de votre histoire.

Donc, en gros, vous voudrez vous demander : cette scène contribue-t-elle à l'intrigue de l'histoire globale ? Et puis - cette scène contribue-t-elle à l'arc de mon personnage ou au thème de l'histoire globale ? Si ce n'est pas le cas, il est temps de reconsidérer si la scène que vous regardez mérite sa place dans votre brouillon.

Maintenant sur cette note, disons que vous avez une scène qui ne contribue pas nécessairement à l'histoire globale, mais qui montre une partie importante de la trame de fond de votre personnage. Si j'étais votre entraîneur ou votre éditeur, je suggérerais de trouver un autre endroit pour ajouter ce morceau de trame de fond dans votre histoire où il est pertinent pour ce qui se passe dans une scène au lieu de créer une scène entière dont le seul but est de livrer la trame de fond.

Donc, de toute façon, c'est le conseil numéro dix, assurez-vous que chacune de vos scènes contribue à l'histoire globale à la fois externe et interne.

Dernières pensées

Donc, voilà. Mes dix meilleurs conseils pour écrire de meilleures scènes ! Si vous voulez apprendre à écrire une scène bien structurée, consultez cet article de blog. J'espère que vous trouverez ces conseils utiles et qu'ils vous aideront à écrire une histoire plus forte et plus cohérente !

Faites-moi savoir dans les commentaires : Lequel de ces conseils allez-vous mettre en œuvre en premier dans votre écriture ? Certains de ces conseils ont-ils été surprenants ou nouveaux pour vous ?