3 wskazówki dotyczące pisania, które możesz ukraść od animatorów

Jakieś dziesięć lat temu miałem szczęście przeczytać książkę o pisaniu scenariuszy zatytułowaną How to Write for Animation autorstwa Jeffreya Scotta. W przeciwieństwie do większości książek o pisaniu scenariuszy, Scott prawie nie wspomina o teorii opowieści; zamiast tego skupia się na nauczaniu bardzo praktycznego procesu pisania. Zastosowałem jego metody we własnej pracy i byłem zdumiony, jak bardzo były pomocne. W rzeczywistości książka Scotta okazała się jedną z trzech najbardziej pomocnych profesjonalnych książek, jakie czytałem.

Szpilka

Zdjęcie: Scott Thomas (Creative Commons)

Oto zwrot akcji: w ogóle nie używałem go do pisania! Byłem animatorem — i jak się okazuje, po kilku drobnych zmianach, wskazówki Scotta dotyczące procesu twórczego sprawdzają się również bardzo dobrze w animacji.

Dziwi cię to? Dla mnie to była rewelacja. Książka o pisaniu pomogła mi stać się lepszym animatorem; co to znaczyło? Być może, że kreatywne umysły różnych form sztuki mają ze sobą więcej wspólnego, niż zwykle myślimy. Może oznacza to, że wszyscy powinniśmy przyzwyczaić się do patrzenia poza granice własnego medium.

Czego pisarze mogą nauczyć się od animatorów

W tym poście postaram się cofnąć i zasugerować trzy praktyczne wskazówki pisarskie zaczerpnięte wprost ze świata animacji. Mam nadzieję, że podzielę się również z Wami poczuciem zachwytu, jakie daje obserwowanie, jak dwie pozornie niepowiązane ze sobą rzeczy nagle się łączą.

1. Odegraj to

Animatorzy nie tylko siedzą na swoich małych krzesełkach i poruszają rysunkami lub cyfrowymi lalkami. Aby naprawdę zrozumieć swoje postacie, animatorzy wielokrotnie odgrywają każdą scenę. Robią filmy o sobie i uważnie je studiują, szukając drobnych, nieświadomych gestów, które w ciekawy sposób ujawniają nastrój i osobowość. Mogą następnie wpleść niektóre z tych drobnych szczegółów w swoją pracę, dodając wiarygodność i teksturę.

Twoja wskazówka dotycząca pisania: nie po prostu usiądź i spróbuj wyczarować ciekawe akcje i dialogi z powietrza. Wstań i odgrywaj swoje sceny!

Nie musisz być świetnym aktorem; po prostu spróbuj na chwilę stać się postacią i pozwól, aby fizyczne reakcje i dialog zaszły naturalnie.

Nagraj film, na którym to robisz, i narysuj to, co widzisz i słyszysz, aby stworzyć niepowtarzalny głos i delikatną teksturę dla swojej postaci.

2. Przeprowadź burzę mózgów za pomocą krótkich fragmentów

Przed rozpoczęciem animacji animatorzy zazwyczaj rysują wiele miniaturowych szkiców. Są to małe, bardzo przybliżone sugestie, które można wykonać w zaledwie kilka sekund. Pozwala im szybko wypróbować wiele różnych pomysłów, a następnie wybrać te, które najbardziej przemawiają lub tworzą najciekawszą strukturę. Oto przykład:

Szpilka

Niektóre z moich miniaturowych szkiców dla Asterixa i Wikingów

Twoja wskazówka dotycząca pisania: Zamiast tego pisania konspektu chronologicznie, spróbuj zidentyfikować kluczowe momenty w scenie i napisz je jako krótkie, krótkie fragmenty akcji i dialogów. Wypróbuj różne sposoby robienia tego samego. Nie przejmuj się kolejnością rzeczy — po prostu napisz swoje pomysły, gdy się pojawią. Często jeden kluczowy moment sugerowałby inny — śledź wątek i wypróbuj go!

Daj się zaskoczyć. Pamiętaj, że kluczem jest SZYBKO. Nie dopracowuj, nie rozwijaj i nie zwlekaj. Spróbuj użyć podstawowej lub skróconej gramatyki (np. „ chłopiec otwiera drzwi – przeciąga się – westchnienie: nie znowu!”)

Gdy poczujesz, że masz dobry przegląd różnych kątów i możliwości, jakie ma do zaoferowania scena, wybierz serię kluczowych momentów, które są najbardziej atrakcyjne i najbardziej interesującą strukturę, i użyj ich jako mocnego punktu wyjścia do zarysu.

3. Pozwól, aby Twoje pisanie przepływało przez Twój zarys

W animacji „Straight Ahead” to proces prawej półkuli, polegający na animowaniu chronologicznym, jedna klatka po drugiej, bez planu – po prostu kreatywny przepływ. „Pose to Pose” to proces lewej półkuli mózgu polegający na rysowaniu najpierw najważniejszych póz, a następnie łączeniu ich z kolejnymi rysunkami.

Na początku lat 30. animatorzy Disneya wymyślili metodę „animowania poprzez pozy”. Pomysł polegał na tym, aby najpierw zaplanować pozy, a potem pracować „Na wprost”, grawitując w kierunku zaplanowanych póz, ale niekoniecznie trafiając w nie. Ta metoda jest nadal używana przez animatorów do łączenia logiki lewej półkuli mózgu z ekspresją i przepływem w prawej półkuli.

Twoja wskazówka dotycząca pisania: raz masz gotowy konspekt, zacznij od początku i napisz „na wprost”, pozwalając prawemu mózgowi prowadzić, jednocześnie pamiętając z grubsza, dokąd zmierzasz. Staraj się nie kontrolować go za bardzo, po prostu „popychaj” go w kierunku następnego punktu zarysu.

Nie martw się, jeśli nie piszesz dokładnie tego, co wskazuje zarys; Szanuj naturalny bieg pisania i pozwól, aby zdarzały się szczęśliwe wypadki! Jeśli podstawowy zarys jest dobry, to się utrzyma.

Czy masz jakieś nawyki związane z procesem pisania zaimportowane z innej dyscypliny?